Marco Vincit está lançando seu primeiro álbum – “Rosas Amarelas – Vol.1&2”. Apesar de ele se definir como uma pessoa tímida e retraída, “Rosas Amarelas: Uma História de Quase Amor Baseada em Fatos Surreais”, já nas plataformas digitais, é ousado e ambicioso em sua proposta musical. Em primeiro lugar, por ser um álbum duplo, de 20 faixas, um lançamento um tanto incomum numa época em que os artistas parecem acomodados na dinâmica de lançar canções soltas nas plataformas. “Eu estava preocupado com o álbum, especialmente pela questão de as pessoas pararem para ouvir 20 faixas”, conta o cantor e compositor que cria um som que mescla gêneros para emoldurar letras surpreendentes.

Os ingredientes das letras, de romantismo derramado: amor, tesão, drama, orgasmos, despedidas, sarcasmo e gin tônica. Há uma influência discreta do Caetano dos anos 1980, quando Marco quebra a linearidade lógica do verso com uma palavra que parecia não caber ali, ao mesmo tempo que faz referências diretas à série britânica de streaming “Fleabag”. Marco afirma que nada disso é por acaso. “Eu gosto de compositores que fazem jogos de palavras. Elas parecem meio jogadas, tudo meio bobo, inocente, cru, mas para quem tem atenção às sutilezas, funciona. Eu gosto de trabalhar sutilezas. Eu tenho problemas de métrica, e de texto, às vezes a palavra ali não era muito boa, mas eu fiz questão de manter. Eu tenho essa pilha de causar uma estranheza, eu gosto disso.”

Nascido em Brumadinho, Marco tocava trompete e estudou no Palácio das Artes, aprendendo música e design. “Um belo dia eu tive que optar pelo design, que já me dava grana e é algo que eu gosto muito. Eu tinha passado no vestibular da Universidade do Estado para estudar música, mas não fiz. Ficou desgastante, eu não ganhava dinheiro com música. Aí eu me mudei para Belo Horizonte, para me dedicar exclusivamente ao design”.

Agora radicado em São Paulo, ele entendeu que não faria sentido gravar seu primeiro álbum na capital paulista. A escolha de ir para Belo Horizonte foi uma questão afetiva. Falou mais alto a amizade com músicos mineiros, principalmente o baixista Felipe Fantoni, que coproduziu o álbum com ele e toca em todas as faixas. Foi para Fantoni que o compositor enviou 20 textos, que ele chamava de “histórias”, que se transformariam nas letras de “Rosas Amarelas”.

Marco interrompeu o trabalho de designer por três meses, para ir a Belo Horizonte e pensar no disco todos os dias. Ele admite uma preocupação em ser organizado no que faz, reflexo da atividade no design. “A primeira coisa que pensei foi o título. Eu tinha meio o projeto todo pensado e escrito. Daí veio a ideia de reorganizar aquelas ideias em forma de capítulos. A gente pegava uma música e achava que tinha cara de forró. Tentava fazer um forró e saía outra coisa, claro. Felipe dizia que tal história era bem anos 1970, então por que não ir atrás de um som daquela década?.”

Com a decisão de gravar 20 músicas, veio o desafio de organizar como elas seriam distribuídas no disco. “Antes, as minhas músicas eram muito melancólicas. Pareciam músicas maduras demais para quem escreveu, mas agora eu estou escrevendo de um jeito mais adolescente. A paixão tem essa coisa adolescente, de viver aquilo, de arder, de achar que aquela é a última pessoa do mundo, E isso é péssimo quando a pessoa te abandona do nada. Sintomas do nosso tempo.”

Pensando no disco como um vinil duplo, embora por enquanto o lançamento seja apenas digital, cada lado representa uma das quatro estações. Mas Marco identificou que o trabalho se referia a um único verão apaixonado. Ele classifica São Paulo como um personagem central nas histórias, e acredita que o verão na cidade contém as quatro estações. “Vivi uma paixão rápida e fiz esse discão. Eu me separei de um namoro de muito tempo, e de repente me senti como se tivesse 20 anos, apaixonado de novo. Então trabalhar no disco me pareceu um pouco desenvolver as quatro estações da paixão. Acho que é um disco que fala muito das relações atuais, com a interferência das redes sociais.”

A ansiedade começou a tomar conta do artista. “Estava muito à vontade ao escrever e cantar aquelas coisas num ambiente controlado, mas pensar em mandar para o mundo ouvir era algo bem diferente. Fiquei doente com as redes sociais. Fui ficando refém de rede social, chegou um momento em que eu abria o Instagram e ficava ali, me sabotando, não fazendo o que tinha para resolver no disco.” Depois de muitas tentativas sem sucesso, ele conseguiu ficar meses longe das redes. Nesse período, ele conseguiu trabalhar na parte visual do disco.

Todo o visual, incluindo fotos e vídeos, foi criado com o uso de Inteligência Artificial a partir de um ensaio fotográfico feito pelo fotógrafo e amigo Will de Carvalho, acompanhado de sua equipe de beleza. Nesse ensaio, Marco utilizou o look criado pelo artista visual brasileiro e estilista catarinense Jay Boggo, conhecido por produzir peças artesanais e em pequena escala.

Mais uma vez, Marco incorpora a subversão em seu trabalho ao partir de um único look original e gerar, através da Inteligência Artificial, uma infinidade de novos visuais. Esses novos looks carregam referências visuais e estilísticas do look inicial, mas agora multiplicados em larga escala, mas que nunca existiram. São criadas imagens de lugares e situações nas quais Marco nunca esteve, dialogando com todo o conceito e trazendo inovação estética e conceitual. “Aí veio uma certa estranheza em algumas imagens, e eu comecei a relacionar essa estranheza visual da IA com a estranheza das minhas letras. O que de cada imagem é real? O que das minhas letras é real?.”

Assim, estabelecida essa relação, ficou ainda mais singular esse disco incomum, feito com vários parâmetros que ninguém está seguindo. As canções vão de um R&B elegante, bem anos 1970, a baladas românticas intercaladas com músicas agitadas, para cima. Logo em seu primeiro trabalho de fôlego, Marco conseguiu equilibrar a melancolia e as canções solares, com ironia e humorácido. Há vários hits em potencial, como “Bonezinho Vermelho”, “Boy”, “Jesuíno Brilhante” ou a faixa que encerra o disco e inevitavelmente chama a atenção pelo título: “Vai Se Fuder”.

Marco Vincit é assim. Metódico e caótico, tímido e apaixonado, bem-humorado e melancólico. O público tem agora um discão para descobrir todas essas facetas do artista.

AO VIVO [dentro da cabeça de alguém], que estreou no ano de 2024 – no mês de agosto – no Teatro do Sesi-SP, agora chega ao Teatro SESIMINAS, no Centro Cultural SESIMINAS, em Belo Horizonte (MG), nos dias 12 (sábado, às 20h) e 13 de abril (domingo, às 19h), dentro do projeto Sesi em Cena. A peça foi criada pela Companhia Brasileira de Teatro num gesto coletivo com os artistas Renata Sorrah, Rodrigo Bolzan, Rafael Bacelar, Bárbara Arakaki e Bixarte. O texto e direção geral são de Marcio Abreu, e a pesquisa e criação é assinada por ele ao lado de seus parceiros e núcleo criativo da companhia, os artistas Nadja Naira, Cássia Damasceno e José Maria.

AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] dialoga com a obra de Anton Tchekhov, especialmente com seu texto seminal A Gaivota, e dá sequência a uma das linhas de pesquisa da companhia brasileira de teatro, que reflete os tempos atuais a partir de diálogos inventivos com os clássicos. Durante o processo de criação, a partir da obra do autor russo, algumas indagações foram feitas para a constituição da dramaturgia, como: quais questões levantadas por Tchekhov atravessam o tempo e chegam até nós, hoje? E de que modo? Como expandir essas questões? E que formas são possíveis, hoje? Há formas novas, futuros possíveis?

Também foram tema de debate o valor da arte, para quem se produz e com quem, os tipos de espaços para se ocupar e construir, a forma como os jovens artistas encontram a própria voz na atualidade, e como se perceber artista na coletividade, com e para o público, em uma experiência viva, focada no agora.

O espetáculo

A narrativa de AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] é formada por diferentes elementos de diversos campos de memória dos artistas que o compõem. “O público é convidado a percorrer uma lógica de sonho ou de memória, não exatamente no sentido onírico, mas como a gente formula o pensamento, como a memória não tem só a ver com o passado, mas como é um campo ativo de produção de sentidos e também de projeção para possíveis futuros”, explica Marcio Abreu.

A cena que abre o espetáculo, por exemplo, foi inspirada em uma experiência da atriz Renata Sorrah, na década de 1970, quando estava indo para o ensaio da célebre montagem de A Gaivota, que participou no Rio de Janeiro. Em outro estado de consciência, ela revê personagens de sua vida e de sua arte, atravessando o tempo e ressignificando suas existências, ao vivo, hoje.

A própria peça de Tchekhov também está presente de várias maneiras, seja de forma conceitual e reflexiva sobre as temáticas abordadas nela, seja com os próprios trechos reescritos. Nesta conjunção de memórias, o espetáculo se passa dentro da cabeça de uma artista. Da Renata, da Nina, da Bianca, da Bárbara, do Bolzan, do Rafael, de todos que criaram esse trabalho. Como se pudessem perceber outras consciências, outras subjetividades, coisas que são, e de repente já não são mais. Coisas que se revelam e desaparecem, algo que se vê e, de repente, já não está mais ou já não o é.

“Quando entramos na cabeça de alguém, no campo dinâmico de produção de memória, percebemos que a vida de um único sujeito não é formada apenas por uma individualidade, mas por uma multidão de possibilidades de ser”, afirma o diretor. “É uma peça sobre estar vivo agora. É uma espécie de ensaio sobre vivências no tempo, sobre como colocar tempos múltiplos em relação, no presente. Os tempos – histórico, subjetivo, futuro e da memória – estão todos em convivência.”

Com uma equipe diversa de multiartistas e parceiros colaboradores da companhia em outros trabalhos, AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] conta com instalação cenográfica e vídeos criados pelo premiado cineasta, artista visual e diretor Batman Zavereze; figurinos do estilista e criador Luís Cláudio Silva e seu Apartamento 03; música original do multiinstrumentista e diretor musical Felipe Storino; direção de movimento e criação da diretora, coreógrafa e bailarina Cristina Moura; fotografias e documentação sensível do projeto da artista Nana Moraes; e a assistência de direção e colaboração criativa do ator, bailarino e pesquisador Fábio Osório Monteiro.

AO VIVO [Dentro da Cabeça de alguém] traz duas alegrias: a companhia brasileira de teatro junto à atriz Renata Sorrah. A primeira destacamos pela trajetória de repertório brilhante e sua importância na construção da cena contemporânea brasileira atual. Com um histórico de espetáculos impecáveis, tanto na estética como na contundência dos temas tratados. Na segunda, saudamos, com honra, a presença de Renata neste elenco, uma artista emblemática desde o seu reconhecimento na teledramaturgia, como na sua potência em cena, algo que precisa ser visto e admirado.  Neste encontro de potência e excelência, o espetáculo se encontra com o texto de Anton Tchekhov para a criar uma realidade ficcional, sensível, que convida a uma imersão ao universo interno do ser e ao espaço coletivo social.

SERVIÇO

SESI EM CENA 2025 apresenta AO VIVO [dentro da cabeça de alguém] 

DATA: 12 e 13 de abril de 2025

HORÁRIO: 20h (sábado) e 19h (domingo)

LOCAL: Teatro SESIMINAS – Centro Cultural SESIMINAS – Rua Padre Marinho, 60, Santa Efigênia – Belo Horizonte/MG

DURAÇÃO: 100 minutos

CLASSIFICAÇÃO: 16 anos

INGRESSOS: R$ 100 (inteira) | R$ 50 (meia-entrada) | Industriários pagam meia-entrada

Link para compra de ingressos: https://bileto.sympla.com.br/event/103687

Uma experiência musical envolvente e cheia de axé. Assim é definido o show “ Coração Tambor ”, que reúne as vozes das cantoras Beth Leivas e Manu Dias em uma celebração de fé, ancestralidade e conexão espiritual. O espetáculo musical tem apresentação única no próximo sábado, dia 5, às 20h, no Teatro Marília . Os ingressos custam R$ 25 (meia) e R$ 50 (inteira), e podem ser adquiridos pela plataforma Sympla ou na bilheteria, que abre duas horas antes do início do show. A programação completa dos teatros municipais pode ser consultada no Portal Belo Horizonte .

“Coração Tambor” reverencia os caboclos e espíritos indígenas brasileiros cultivados na Umbanda e no Candomblé. O show é uma homenagem à conexão com a natureza, à sabedoria ancestral e à força espiritual que guia os caminhos. No repertório da apresentação estão canções autorais de Manu Dias e Beth Leivas, além de composições de artistas como Dé Lucas, Sérgio Pererê, Sérgio Santos e Paulo César Pinheiro.

A união entre Beth e Manu foi, desde o início, uma celebração da admiração mútua pela musicalidade de cada uma. A parceria entre dois intérpretes nasceu durante uma pandemia, quando, por meio das redes sociais, os artistas se conectaram e iniciaram uma amizade que rapidamente evoluiu para uma colaboração artística. Desde então, os encontros entre sambas, tambores e canções têm sido constantes, e a energia de união só se fortaleceu.

Com raízes profundas na fé de religiões de matriz africana, Beth Leivas, rainha do Congado, e Manu Dias, defensora do samba, se conectam aos seus ancestrais para celebrar a vida e a cultura. Juntas, cantam a força, a esperança, a alegria, a história e o amor que definem suas trajetórias, guiadas pela fé nos pretos velhos, nos orixás e no Pai Oxalá. Para os artistas, o show “Coração Tambor” é um convite para todos participarem de um banho de axé, uma conexão com o bem, a energia positiva e o poder de transformação da música e da fé.